“De la mejor manera”, un lugar donde el teatro revela las tensiones del duelo

Federico Liss y Jorge Eiro son dos creadores «De la mejor manera»una obra de teatro sobre las tensiones que surgen entre dos hermanos tras la muerte de su padre y ofrece funciones en el icónico Rodney Bar del barrio porteño de Chacarita los sábados y domingos a las 19:30 horas.

Interpretada por Liss y David Rubinstein y escrita y dirigida por Liss, Rubinstein y Eiro, «De la mejor manera» tiene la particularidad de no aceptar las limitaciones del teatro, sino de representarse exclusivamente en bares.

El primer borrador de la obra se conoció en 2018 cuando, como work in progress, tuvo sus primeras funciones en el bar Santa Paula de Vicente López como parte del Festival de Teatro en Espacios Inesperados.

“La obra tuvo un largo proceso desde que la imaginamos por primera vez hasta la forma final que tomó en octubre de 2021 cuando la estrenamos en el Rodney”, cuentan Liss y Eiro a Télam sobre los orígenes de uno de los “must-see” actuales del teatro independiente. » vallas publicitarias.

«Lo primero que surgió fue la idea de ‘salida nocturna: unos tipos se bajan de una camioneta gritando’, y esa fue la premisa para empezar a explorar el universo que poco a poco se iba revelando», dice Liss para marcar el origen. del drama escrito en los cuerpos de los actores una serie de preguntas relacionadas con el encuentro de los dos hermanos el día de la muerte de su padre en el bar que regentaba.

«Esa ‘noche al aire libre’ -dice Eiro- nos dio un poco de incentivo para poner en tensión el lenguaje teatral y cinematográfico, sin que la obra perdiera su teatralidad».

– De hecho, hasta que comienza a desarrollarse la fuerte trama del conflicto entre estos dos hermanos, el espectador sigue ante todo una tensión y un clima, ciertamente muy parecido al de una película, con muy poca información sobre lo que está sucediendo.
– Federico Liss: Una de las ideas era que la información llegara muy dosificada y que lo interesante y captado fuera otra cosa: la temperatura de acción, la conexión entre ellos, esa intensidad que se reproduce y transmite, esa latencia de que cualquier cosa puede pasar incluso si no sabes lo que hay en el fondo.

-Jorge Eiro: Hay un teatro que nos interesa, donde la actuación todo el tiempo crea la tensión de algo que pasa abajo, y no te enteras hasta el final. Algo que se trabaja en términos de omisiones, tensiones, cosas que transmiten una expresividad que no está en el texto escrito, un misterio que va más allá de la textualidad y la rompe.

– ¿Estos mecanismos aparecieron en el proceso de construcción de la obra?
– FL: Por la forma que teníamos de construir la información, la información nos llegaba poco a poco, porque nos juntábamos y empezábamos a actuar sin un texto previo; había una premisa, que estaba pasando en un bar, que eran de la comunidad como si fueran gitanos, que eran hermanos y que el padre había muerto, y de ahí empezamos a improvisar, y luego lo que apareció en el cuerpo de la vd era muy diferente a como hubiera sido nos sentamos a escribir. Hay algo en las vistas, energías, silencios que sería imposible nombrar en el texto, cosas que sucedieron en el escenario en la improvisación, que reconocimos como interesantes y nos apropiamos de ellas en el momento en que aún no sabíamos cuál era la trama, que apoyó la historia. .

– JE: En realidad, en 2018, cuando mostramos por primera vez la obra en el bar de Vicente López en Santa Paulo, donde nos pedían una obra en proceso, no una obra terminada, todavía no teníamos resultado, pero ya sabíamos que el mundo que construimos era atractivo; el encuentro de estos dos hermanos fue atractivo, aunque aún no se ha definido el tema; Ahí apareció el nombre de Nancy, nos incitó a pensar en “El Intruso” de Borges, leímos la historia, la tensión entre los hermanos y buscábamos algo más bíblico, en el sentido de algo mítico que no se rompe con la moral. de tiempo pero más de orden simbólico: dos hermanos, riña, padre, y a partir de ahí fue como si volviéramos a cocinar el guiso que ya habíamos cocinado, pero de otra manera, como algo para revolver, y eso es muy estimulante .

– Esta primera presentación embrionaria fue en 2018, y luego se estrenaron en su forma definitiva en octubre de 2021.
– JE: Pademeia vino a nosotros para hacer la invernada y reconsiderar algunas cosas. Pasó algo interesante, pues es común que actrices y actores aparezcan en el proceso de búsqueda para encontrar respuestas a lo que se abre y estos dos muchachos tenían una actitud muy tranquila, “no huyamos, sigamos buscando, laboratorio, sigamos adelante”. “La expansión del lápiz de expresión, el tono de esto”, también dijeron que, de alguna manera, para quien dirige y crea la obra, es una felicidad en la que quiere quedarse y vivir.

– FL: Sucedió que ese trabajo lo hicimos avanzar en el 2018 en Vicente López, luego hicimos unas presentaciones en El Banderín (Billinghurst y Guardia Vieja), pudimos probar los avances que íbamos haciendo en los ensayos con el público, el material fue creciendo, tenía momentos nuevos y siempre volvía algo que era muy estimulante.

– Es una obra que no se ha podido colocar en la habitación.
– JE: La apropiación del espacio, la dramaturgia del sonido de Rodney, la puerta que no abre y grita, algunos de todos estos estímulos que se dan en ese lugar específico acaban conformando la historia.

– FL:: No es un trabajo para la habitación. Se vuelve muy estimulante tener toda esa realidad a tu disposición como si de un decorado perfecto se tratara. También es mucha adrenalina convivir con el espacio público, la calle, el azar. Durante el show puede pasar un hombre y querer entrar al bar o hablar contigo o parar a la policia porque la camioneta esta en la vereda, crea mucha adrenalina porque todo el tiempo que esta tocando el show vives con la tension que puedes ceder el control en cualquier momento.

– Y el espectador está en un lugar determinado y asiste a una representación teatral.
– JE: Sí, el espectador es cuidadoso o está atento a lo que puede pasar afuera, se crea un espectador menos pasivo, que está atento a algún imprevisto que pueda pasar, está un poco más expuesto al riesgo y se apega al lugar, al momento y tu oportunidad. Otra cosa con relación al espacio son los silencios que pueden existir en la obra entre los dos actores que te permiten como espectador alejarte de ellos y mirar algo afuera o en el mismo lugar, puedes perderte mientras los dos están silencioso o en tensión y ahí este tipo de espacialidad sugiere otro tipo de teatralidad que nada tiene que ver con la teatralidad de la sala.